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13 marzo, 2018

Revista Avant Garde, todos los números online

Excelente noticia para todos los aficionados/as al diseño gráfico y arte de vanguardia en general: la histórica revista Avant Garde, publicada entre 1968 y 1971 –casi nada, menudos años-, está a partir de ahora a nuestra entera disposición en un sitio web oficial y especialmente dedicado. Todos los números escaneados –14 en total-, página a página, disponibles de forma 100% gratuita.

¿Qué fue Avant Garde? Se trató de una “revista sobre arte y política”, según palabras de su propio editor, Ralph Ginzburg. Una publicación que incomodaba al poder, rompía tabús, y, sobre todo, mostraba diseño gráfico, ilustraciones, fotografía y arte de vanguardia de alta calidad. Generalmente mezclado en páginas que eran auténticas joyas. Por tanto –y sin duda-, se trata de un referente que nos inspirará, sorprenderá y enseñará mucho a nivel profesional.

Portada del número 1 de la revista Avant Garde

Es muy digno de mención que esta revisa se editó nada menos que a finales de los ‘60 del siglo pasado, una de las épocas de mayor efervescencia social y cultural de la Historia, como es bien sabido (punto álgido de la contracultura o cultura hippie). Muy interesante también desde un punto de vista histórico, por tanto.

Portada del número 3 de la revista Avant Garde

Ilustraciones de la revista Avant Garde

Arte de vanguardia en la revista Avant Garde

Fotografía social en la revista Avant Garde

Diseño gráfico tipográfico en la revista Avant Garde

Por ella desfilaron personajes como Marilyn Monroe, Andy Warhol, etc. Los grandes de la época, en definitiva. Siempre desde una perspectiva de vanguardia en el formato. Únicamente la maquetación de los textos era convencional, con páginas cuadradas a tres columnas. El resto, pura lisergia, imaginación e impacto.

Portada del número 2 de la revista Avant Garde

La persona que estaba detrás del diseño era nada menos que Herb Lubalin, uno de los diseñadores más importantes históricamente (ya hablamos un poco sobre él en el artículo “40 lecciones de maestros del diseño - Parte 2”). “Equivócate por diversión”, venía a decir este neoyorquino, que siempre defendió un diseño ecléctico y exuberante, mestizo y variado, alejado del academicismo y funcionalismo predominante en la escuela europea de aquel tiempo.

Herb Lubalin

Lubalin (imagen de arriba) también diseñó el logotipo de la revista, del cual emanó una tipografía completa, a la que dio el mismo nombre: Avant Garde. Dicha fuente fue empleada en los textos de la propia publicación, y se siguió usando después de que ésta desapareciera. Es uno de los legados del gran maestro.

Portada del número 13 de la revista Avant Garde

Actualmente todavía puede adquirirse y usarse dicha tipografía. Según informan en la web que reseñamos en este artículo, la fuente original, diseñada por Lubalin en 1970, se denomina ITC Avant Garde Gothic®. Es muy parecida a Futura, como puede verse -redonda, geométrica…-. Claramente Lubalin se inspiró en ella, como tantos otros (Futura es una de las letras más influyentes de la historia, diseñada por el tipógrafo alemán Paul Renner entre 1927 y 1936).

Posteriormente han aparecido otras letras muy similares a Avant Garde, como Century Gothic™, usadísima actualmente (una de las fuentes estándar de las páginas web, sin ir más lejos). De hecho, tal y como se informa en la Wikipedia, Century Gothic se atribuye también a Herb Lubalin, apareciendo en 1991 como una versión más de Futura.

Por tanto las 3 están claramente emparentadas y son muy parecidas (leer la entrada de la Wikipedia para ver las diferencias concretas). Sea como sea, la fuente Avant Garde no tienen la letra “A” oblicua que vemos en las portadas de la revista. Así pues, si se quiere hacer un diseño por el estilo, hay que modificar la “A” a mano.

Más detalles y dónde ver todos los números de Avant Garde.

Volviendo al tema principal que nos ocupa –que no es otro que la web que han creado para mostrar al público todos los números de la revista, página a página-, se trata de una encomiable iniciativa llevada a cabo por Alexander Tochilovsky, conservador de The Herb Lubalin Study Center. Es un centro dedicado a la conservación y estudio de la obra del célebre diseñador.

Como parte de dicha labor museística. el centro ha publicado este sitio web al que nos referimos, que permite a cualquier persona del mundo hojear todos los ejemplares de la mítica revista. Desde aquí nuestra enhorabuena y aplauso a esta iniciativa.

Así pues, para ver todos los números de la revista de forma totalmente gratuita -cosa que recomendamos mucho hacer-, dirigirse a la siguiente ubicación:

Avant Garde - Edición Completa (todos los números)

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17 enero, 2018

Massimo Vignelli: 5 frases para vivir (y diseñar)

El gran diseñador italiano Massino Vignelli (1931-2014) dedicó toda su vida al Diseño Gráfico con mayúsculas. Profesional incansable y maestro de maestros, a lo largo de su prolífica carrera fue autor de varios trabajos de fama mundial (los más conocidos son seguramente los planos y señalización del metro de New York). Ya en la etapa final de su vida, tras décadas de trayectoria profesional, este sabio milanés plasmó en una serie de “puntos” o “frases” los principios característicos de todo buen diseño, al igual que hicieron otras grandes figuras antes que él. Dedicaremos esta entrada a su memoria, intentando rescatar algunas de sus enseñanzas y consejos más célebres.

Como decimos, Vignelli no fue el primer diseñador que intentó identificar los elementos siempre presentes en los buenos diseños (entendidos estos en su sentido amplio, por tanto de cualquier tipo, ya sean obras gráficas, objetos, mobiliario…). Al igual que otros grandes maestros de los que hemos hablado anteriormente –luego los mencionaremos-, este diseñador se dio cuenta de que, aunque su disciplina era de tipo creativo y por tanto altamente subjetiva, existen ciertas características necesarias para que un trabajo quede verdaderamente bien resuelto. Básicamente, sus conclusiones fueron las mismas que las explicadas por otros grandes diseñadores y diseñadoras: composiciones sugerentes, claras, fuertes, diseños siempre bellos. Imperecederos. Vigentes ahora y siempre.

En un artículo anterior ya vimos las leyes o principios de Dieter Rams, y podremos comprobar la similitud que tienen con las enseñanzas de Vignelli. De igual forma, también hemos repasado las lecciones de 40 grandes históricos del Diseño -parte 1, parte 2-, y nuevamente encontramos que son totalmente coincidentes (entre ellos se cuenta el propio Vignelli, por cierto). Así pues, parece que podría existir una cierta objetividad, dentro de lo subjetivo de lo creativo.

  • Nota: Recomiendo a toda persona interesada, ya sea profesional, estudiante o sencillamente aficionado, que dedique unos minutos a echarles un vistazo también a los artículos antes citados. Encontrará en ellos fundamentos teóricos sobre la labor de diseñar, de bastante calado, y también muestras de la obra de todas esas grandes figuras.

Volviendo a Vignelli, por su parte nos dejó numerosas frases y consejos, pero los más famosos son sus 5 puntos, llamados “Five phrases to live” (“Cinco frases para vivir”). El gran maestro italiano –recientemente fallecido-, en tándem con su esposa y compañera de trabajo, Lella, los propone de alguna forma para la vida entera, uniendo las facetas estética y propiamente vital en una sola.

Massimo VignelliMassimo Vignelli con su esposa Lella en 2010Massimo Vignelli con su esposa, socia y también diseñadora Lella Vignelli, en 2010.

Como veremos a continuación, desde luego no son malos consejos a seguir.

Las famosas cinco frases de de Massimo Vignelli.

  1. Una vida es demasiado corta para hacerlo todo”.
  2. Nos gusta el diseño que sea visualmente poderoso, intelectualmente elegante y, sobre todo, eterno”.
  3. Si puedes diseñar una cosa, entonces puedes diseñarlo todo”.
  4. Si lo haces bien, perdurará para siempre”.
  5. La vida de un diseñador es una vida de lucha contra la fealdad”.

Massimo Vignelli con el programa, diseñado por Michael Bierut, para el evento Architectural League President’s Medal, que le premió junto a su esposa Lella en 2011Massimo Vignelli con el programa, diseñado por Michael Bierut, para el evento Architectural League President’s Medal, que le premió junto a su esposa Lella en 2011.

Seguramente, quien mejor las ha plasmado es el norteamericano de Seattle, Anthony Neil Dart. Los posters tipográficos que este diseñador creó como homenaje a los Vignelli, usando sus lemas, son de largo la más célebre expresión de los mismos.

Pueden verse en la página que este excelente diseñador les dedica en su sitio, y los pondremos también aquí (con los debidos créditos a través de los links anteriores):

Póster tipográfico de Anthony Neil Dart con frases de Massimo VignelliPóster tipográfico de Anthony Neil Dart con frase 1 de Massimo VignelliPóster tipográfico de Anthony Neil Dart con frase 2 de Massimo VignelliPóster tipográfico de Anthony Neil Dart con frase 3 de Massimo VignelliPóster tipográfico de Anthony Neil Dart con frase 4 de Massimo VignelliPóster tipográfico de Anthony Neil Dart con frase 5 de Massimo Vignelli

Más frases y enseñanzas de Vignelli.

Además de sus famosas cinco frases –que como decimos se han hecho célebres en gran medida gracias a los excelentes posters tipográficos de Anthony Neil Dart-, el maestro italiano nos dejó muchas otras enseñanzas.

El mismo Dart recoge algunas de ellas en los propios carteles que vemos arriba (tanto en el texto como aplicadas directamente). Por ejemplo, en todos los posters aparece el texto:

“Vignelli works firmly within the Modernist tradition, and focuses on simplicity through the use of basic geometric forms in all of his work” (“Vignelli trabaja con firmeza dentro de la tradición Modernista, y se centra en la simplicidad a través del uso de formas geométricas básicas en todo su trabajo”).

Modernidad, simplicidad, formas geométricas básicas… ¿Recuerda al famoso “Menos es más”? Claro que sí. Todos los grandes maestros lo mencionan, así como el uso de la geometría.

Bueno… En realidad la geometría, así como el uso de rejillas o retículas, es un consejo que dan Vignelli y los demás viejos maestros modernistas. ¡Y sin duda muy digno de tener en cuenta! Solo hay que ver sus obras (como digo, recomiendo mucho hacerlo, además en aquellos años las retículas se hacían con regla y lápiz, nada de equipos informáticos).

Cartel para Knoll International diseñado por Vignelli en 1966Cartel para Knoll International diseñado por Vignelli en 1966. Puede apreciarse claramente el uso de retícula oblicua.

No obstante, allá por los ‘90 (y seguramente antes) aparecerían muchos rupturistas que clamaron contra la “prisión de la retícula”, siendo favorables a la experimentación, la deconstrucción y el caos. A no seguir ninguna regla, en definitiva. El resultado era una especie de collages muy “punk”. Esta tendencia sigue existiendo hoy en día.

Personalmente no me inclino por ninguno de ambos bandos, pues todo puede quedar bien en un momento dado. No obstante, es indudable que el uso de rejillas y geometría da garantías y armonía, mientras que la caótica deconstrucción es mucho más arriesgada (depende exclusivamente del talento personal que tenga uno… que además puede no ser apreciado por otras personas, pues aquí la subjetividad es máxima). Yo diría que esta última tendencia va más en la línea del Arte que en la del Diseño Gráfico propiamente dicho. Del Arte de vanguardia, además.

Por su parte, Vignelli llegó a llamar “basura” a ese tipo de composiciones caóticas. Para él estaba claro: hay diseño con calidad y sin calidad. El diseño con calidad sería el que busca “lo más claro, más hermoso, más elegante, más imperecedero posible”. El contenido (el mensaje) siempre es fundamental, y determinará el propio diseño, que debe surgir de él. Son importantes los tres niveles: cómo se expresa la información, que estructura y coherencia tiene dicha expresión (disciplina, continuidad…), y el imprescindible factor pragmático: ¿puede el público recibir la información adecuadamente?

Por tanto, los tres niveles de Vignelli son: “sintácticamente correcto, semánticamente consistente y pragmáticamente comprensible”.

American Center in Paris (Vignelli, 1994)Publicaciones de los Vignelli en 1994, para el American Center de París. Las ponen de ejemplo para mostrar que se puede ser moderno y mantener la armonía, al mismo tiempo. Massimo y Lella fueron premiados con la medalla AIGA en 1982, un galardón muy prestigioso en el mundo del diseño gráfico.

De hecho, al ser re-preguntado sobre su frase “la vida de un diseñador es una constante lucha contra la fealdad”, Vignelli le aportó una nueva dimensión de responsabilidad social a la misma. Llegar incluso a no dar al público lo que quiere… sino lo que necesita. Así pues, el diseño ha de buscar estas necesidades, dijo una vez. El mensaje debe llegar al receptor de forma totalmente entendible, en definitiva, por encima de cualquier otra consideración.

En relación con la simplicidad, el maestro italiano también fue famoso en este sentido. Se le llegó a acusar de trabajar básicamente con 5 tipografías: Bodoni, Century, Futura, Garamond… y Helvetica. También se asocia con él Akzidenz-Grotesk. “Esas son tipografías valiosas”, comentó en una ocasión, divertido y sin que le molestara en absoluto.

Lejos de ello, añadió que con la informática habían aparecido centenares de tipos de letra en muy poco tiempo, lo cual podía llegar a ser una auténtica “contaminación visual”. “Más que cientos de tipografías, lo que necesitamos son unas pocas básicas, y a la basura el resto”. No sé qué opinaría si viera las hermosas hand-written que se hacen hoy en día, pues desde luego para adornar una taza, una camiseta o un póster sin duda quedan muy bien (aunque es cierto que hay tantas que es realmente complicado elegir).

Póster para el IAUS (Institute for Architecture & Urban Studies). New York, 1979-1980Póster para el IAUS (Institute for Architecture & Urban Studies). New York, 1979-1980.

Más frases de Vignelli:

“Se puede lograr la atemporalidad si se busca la esencia de las cosas y no la apariencia. La apariencia es transitoria –la apariencia es moda, la apariencia es tendencia– pero la esencia es atemporal”.

“Creemos firmemente en la permanencia de la palabra impresa como un testigo de la cultura de nuestro tiempo. Las palabras y las imágenes interactúan para crear sentimientos, ampliar nuestra percepción, enriquecer nuestros conocimientos”.

“El buen diseño es cuestión de disciplina. Se empieza examinando el problema y recopilando toda la información disponible del mismo. Si entiendes el problema, tienes la solución. Es más de lógica que de imaginación”.

“Se puede decir ‘te quiero’ en Helvetica. Con Helvetica Extra Light si quieres ser extremadamente fino. O con Extra Bold si quieres ser intenso y pasional. Y puede que funcione”.

Recomiendo bastante leer The Vignelli Canon. Dicho libro es obra del propio Vignelli, publicado en 2009, ya casi al final de su vida. En él menciona todas estas cosas y muchas más, es una guía básica bastante útil que nos dejó como legado este maestro (puede consultarse gratuitamente desde la web del estudio Vignelli, en formato PDF, usar el link anterior).

También existen artículos de interés, como por ejemplo éste (en inglés), que incluye una buena entrevista con Vignelli.

Con todo, el libro más famoso y citado es Vignelli from A to Z, obra de Massimo y Lella, recientemente fallecida ella también (en 2016). Este libro es carísimo, una edición de lujo casi de museo. Contiene todo el saber de ambos diseñadores tras una vida entera, incluyendo los principios y conceptos que han de estar presentes en todo buen diseño. Si se quiere a toda costa, casi es mejor comprarlo en EEUU (está en inglés, por supuesto).

Más trabajos de Vignelli.

El concepto geométrico de Massimo Vignelli se aprecia en toda su obra, ya desde sus trabajos de diseño editorial para maquetación de prensa y periódicos. Es un campo al que yo también me dedico, con lo cual me interesa especialmente.

En el año 68, Vignelli diseñó la maqueta-base del semanario The Herald. Lo que hoy en día vemos como una maquetación convencional, prácticamente actual, al parecer constituyó una revolución.

Semanario The Herald, diseñado de maqueta-base por Massimo Vignelli.

Lo que hizo Massimo fue crear plantillas modulares, basadas en una rejilla. Los módulos tenían tamaños estandarizados, que se correspondían con las diferentes piezas informativas y la publicidad. En definitiva, lo que se hace hoy en día. The Herald contaba con 6 columnas con 17 módulos de altura (actualmente lo normal en prensa escrita son 10 módulos de altura por 5 de ancho). Seguramente este periódico tenía un tamaño grande, al estilo anglosajón, de tipo tabloide, de ahí que tuviera tantos módulos de alto. Cada uno de estos módulos contiene un número fijo de líneas, por tanto. Así sigue siendo hoy en día.

Pasando a otros trabajos más en la línea del diseño gráfico puro, encontramos que Vignelli tuvo innumerables clientes, y muchos de nivel internacional, como IBM y American Airlines. Varios diseñadores muy reconocidos actualmente, como Michael Bierut y otros, trabajaron para él en su estudio.

En cuanto a sus famosos diseños de planos de metro, realizó varios para el de New York, tanto en los ‘70 (actualizando el plano anterior ya obsoleto) como incluso uno reciente, en 2008. También realizaron aportes al de Washington, señalización en estaciones italianas, empresas de transporte…

Diseño de plano de metro de New York de los VignelliDiseño de señalización del metro de New York de los Vignelli

Al hablar de Vignelli, siempre se menciona también su participación en el documental Helvetica, junto al cineasta Gary Hustwit. Dicho documental se centra en la tipografía y el diseño gráfico (así como obviamente en la citada letra).

Para ver más trabajos de los Vignelli, seguramente lo mejor será empezar por la propia página del estudio creado por ellos: vignelli.com.

Recomiendo hacerlo, así como repasar también el ya citado trabajo del resto de maestros. Como hemos comentado, las conclusiones a las que llegaron todos son muy similares. Reflexiones tras el trabajo de toda una vida… Sin duda dignas de ser tenidas en cuenta, por todo aquel o aquella que quiera realizar una labor creativa.

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08 noviembre, 2017

40 lecciones de maestros del diseño (Parte 2)

Seguimos con la segunda parte de este amplio artículo. A continuación, los restantes 20 “mandamientos” de grandes maestros de la Historia del Diseño Gráfico.

Además de leer los lemas o máximas, recomiendo bastante echar un vistazo a las obras y trayectorias de estos profesionales, pues constituyen un verdadero referente para cualquier persona interesada en el tema.

(Para ver la primera parte, ir ►aquí).

21. Chip Kidd: Domina la narración visual.

Chip Kidd

Chip Kidd. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Un diseñador de New York, conocido sobre todo por sus portadas de libros. Chip Kidd se centra en el diseño con narrativa, introduciendo historias. No me parece de los mejores, al menos a nivel artístico puro (sus diseños no son muy limpios y no siguen una línea clara en mi opinión, se apoya a menudo en una imagen o ilustración central, que es lo que en realidad aporta la fuerza). No obstante es un profesional consagrado y de éxito, que hace portadas de libros que funcionan. Por tanto interesa echarle un vistazo a su trabajo.

22. Seymour Chwast: Dibuja y concéntrate en las disciplinas de diseño.

Seymour Chwast

Seymour Chwast. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Uniendo diseño e ilustración, el neoyorquino Seymour Chwast tiene un estilo icónico y expresivo, contemporáneo y muy libre (desde la vanguardia al cómic de línea casi infantil). El dibujo puede tener mucha fuerza, es una disciplina muy útil.

23. Alexey Brodovitch: Actualízate con las tendencias.

Alexey Brodovich

Alexey Brodovitch. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

El ruso afincado en Norteamérica Alexey Brodovitch trabajó durante muchos años en el mundo de las revistas de moda y tendencias, no solo en diseño gráfico y maquetación, sino también en tipografía e incluso fotografía. Fue maestro de innumerables diseñadores y fotógrafos durante su prolífica y creativa vida.

24. Max Miedinger: Inspírate con Helvética.

Max Miedinger

Max Miedinger. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

“Ante la duda, usa Helvética”, podría decirse. El tipógrafo Max Miedinger es conocido precisamente por desarrollar Helvética, una de las tipografías más utilizadas en el mundo, y seña de identidad del diseño gráfico.

25. Herb Lubalin: Equivócate por diversión.

Herb Lubalin

Herb Lubalin. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

En inglés, “Pun For Fun”. Un juego de palabras dentro de un juego de palabras (“Pun” significa “retruécano”, “equívoco”… e incluso precisamente “juego de palabras”). Muy simpático este diseñador. Los trabajos a base de tipografía de Herb Lubalin siempre aumentaban el alcance de los mensajes escritos, mediante la creación de diferentes juegos de palabras y trucos visuales. Frente al funcionalismo de los europeos, este neoyorquino se decantó por la exuberancia y el eclecticismo.

26. John Maeda: Interactua con la audiencia.

John Maeda

John Maeda. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

John Maeda, licenciado en Informática y Bellas Artes al más alto nivel, se ha dedicado a la fusión de la tecnología, el arte y el diseño. Todo ello resultó en el desarrollo de gráficos en movimiento interactivos, así como en sus “leyes de la simplicidad”, aplicables sobre todo al diseño industrial (van en la línea de Dieter Rams: reducir, eliminar lo superfluo, etc).

27. April Greiman: Emplea la nueva tecnología.

April Greiman

April Greiman. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Reconocida como una de los primeras diseñadoras en alentar la implementación de la tecnología en el diseño gráfico, la norteamericana April Greiman empezó por usar la página como un elemento tridimensional, donde los elementos se mezclaban sin jerarquía. Mucho color primario, collages muy vivos. De aquí pasó a usar los ordenadores personales de forma sistemática en su trabajo, cuando muy pocos lo hacían.

28. Ladislav Sutnar: Transmite la información y cuida el color.

Ladislav Sutnar

Ladislav Sutnar. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Comunicar el mensaje, que llegue al público. Ladislav Sutnar fue famoso por dar sentido a las cosas sin sentido, a través del diseño gráfico. Destacó en el uso del color, limitando los tonos y creando paletas que aportaban claridad a los diseños. Como puede verse, su trabajo es técnico y modernista, realmente bueno.

29. El Lissitzky: Poder a través de lo visual.

El Lissitzky

El Lissitzky. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Conocido por sus diseños de carteles de propaganda política soviética, el excelente artista y diseñador ruso El Lissitzky creó un poderosísimo lenguaje visual, que todo diseñador/a debe conocer. Una obra abstracta y simbólica de altísima expresividad.

30. Muriel Cooper: Usa el 3D.

Muriel Cooper

Muriel Cooper. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Creando profundidad visual, cambios de tamaño, tipos 3D, cambios de enfoque y otras técnicas, la norteamericana Muriel Cooper contribuyó a innovar hacia el diseño digital de hoy en día. Su estilo evoca a la informática, a lo tecnológico y digital.

31. Alvin Lustig: Diseños más sugestivos.

Alvin Lustig

Alvin Lustig. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Sugerir ideas, más que afirmarlas. Sin duda un buen consejo. El enfoque del americano Alvin Lustig, conocido sobre todo por su diseño editorial y de portadas de libros, consistió precisamente en “sugerir, no decir”. Sus diseños capturaban visualmente el tono del texto, sin resumieron o expresar claramente el contenido.

32. Otl Aicher: Crea símbolos y señales, usa retícula, pero el color… fluído y libre.

Otl Aicher

Otl Aicher. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Conocido por la creación de pictogramas urbanos -al estilo de las señales de tráfico, para indicar informaciones a los transeúntes-, el alemán Otl Aicher diseñó identidades corporativas importantes (Braun, Lufthansa), así como los iconos tipo “muñeco de palo” para los juegos olímpicos de Múnich de 1972. Usó un sistema de grillas estricto, pero también destacó mucho por su uso de colores fluidos, vibrantes y artísticos (sobre todo aplicados a fotografías, convertidas en duotonos, tritonos…), de forma ya mucho más libre. Muy buen diseñador, creó incluso tipografías completas, que introdujo en sus diseños, señales y símbolos.

33. Lucian Bernhard: Enfoque minimalista. Ilustración, tipo y color plano.

Lucian Bernhard

Lucian Bernhard. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Otro diseñador histórico alemán, en este caso centrado mayormente en la publicidad. Lucian Bernhard siempre buscó transmitir la idea del producto con el mínimo de elementos (el nombre de la marca a base de tipografía y una ilustración a lo sumo, con uso de colores planos). Creó varias tipografías, entre las que se suele destacar la serie que lleva su nombre: Bernhard.

34. Neville Brody: Diseños tensos… Inquietos.

Neville Brody

Neville Brody. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Diseños nerviosos… Tensos. Un concepto que puede tener mucha fuerza… Incluso demasiada si nos pasamos de la raya. Es en esa tensión en la que este diseñador quiere estar. El británico Neville Brody se inspira en el movimiento punk, creando portadas impactantes y únicas que revolucionaron el diseño de álbumes y revistas.

35. Erik Nitsche: Transmitir ideas poderosas.

Erik Nitsche

Erik Nitsche. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

De nuevo aparece el poder y la fuerza de los mensajes a transmitir, como una necesidad para los buenos diseños. El estilo modernista, a menudo abstracto y siempre personal de Erik Nitsche, continúa siendo tendencia en la creación de diseños industriales, así como comerciales. Una expresividad muy artística.

36. Adrian Frutiger: Tipos de letra legibles.

Adrian Frutiger

Adrian Frutiger. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Adrian Frutiger fue otro gran tipógrafo suizo, siendo uno de los mayores maestros históricos. Desarrolló una gran cantidad de letras (ver), incluyendo una tipografía con su propio nombre, muy conocida incluso hoy en día: Frutiger.

37. Ivan Chermayeff: Lo abstracto es la nueva forma.

IvanChermayeff

Ivan Chermayeff. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Ivan Chermayeff ha destacado por el uso de formas abstractas para los logotipos, siguiendo siempre la norma de crear diseños impactantes. Hizo muchos logos famosos, aunque en realidad su obra es mucho más amplia, incluyendo collages y otros tipos de composición.

38. Peter Saville: Sé fuerte y expresivo.

Peter Saville

Peter Saville. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

“Bold And Expressive”, lema que podría asociarse a este diseñador. “Bold” también se traduce como audaz, valiente y atrevido. ¿Un nuevo juego de palabras? En sí misma, la frase ya tiene diseño. Diseñador icónico de portadas y discos, el inglés Peter Saville tiene un estilo muy expresivo, a menudo abstracto y mínimo, pero siempre de impacto, con colores fuertes.

39. Wolfgang Weingart: Usa las letras… rómpelas, y vuélvelas a usar.

Wolfgang Weingart

Wolfgang Weingart. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

El alemán Wolfgang Weingart es un diseñador rupturista, que usa incluso de forma agresiva la tipografía en sus trabajos. En definitiva, muy bueno.

40. Bradbury Thompson: Sé experimental… Pero sé profesional.

Bradbury Thompson

Bradbury Thompson. Muestra de obras(Clic en la imagen para ver muestra de obras)

Empujando más allá de las normas descritas, la experimentación de Bradbury Thompson con la fotografía, el tipo y el color ha inspirado a toda una generación de diseñadores. Este estadounidense trabajó toda su vida en el mundo editorial, dirigiendo numerosas publicaciones, y siendo considerado por muchos como “el padre de la revista moderna” americana. Su trabajo era buenísimo, de una modernidad que jamás pasará de moda, como puede verse. Muy buenos trabajos con la cuatricomía CMYK, usando cada color básico por separado.

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